[고전이 즐거워]바실리 칸딘스키 '예술에서의 정신적인…'
/ 윤자정 동의대 미술학과 교수

몬드리안, 말레비치 등과 더불어 현대 추상미술의 선구자로 꼽히는 칸딘스키(1866~1944)에겐 추상의 길을 걷게끔 확신을 불어넣어준 다음의 에피소드가 있다.

어느 해질 무렵, 외출에서 돌아온 칸딘스키는 자신의 작업실 문을 열고 들어서다가 깜짝 놀랐다. 작업실 내의 맞은 쪽 벽면, 그러니까 자신이 그리던 그림이 걸려 있던 자리에 아주 낯설면서도 강렬한 그림이 대신 걸려 있었던 것이다.

"앗, 저게 뭐야? 누구 그림이지? 내 그림은 어디로 가고?"

조심스럽게 그림에 다가간 칸딘스키는 다시 한 번 놀란다. 그건 다름 아닌 자신의 그림이었다. 그림을 붙들고 있던 한 쪽 못이 빠지는 바람에 그림이 90도 가량 기울어 있었던 것이다.

이때문에 순간적으로 자신이 그리던 대상물을 알아보지 못했고, 대신에 형과 색의 범벅만이 눈에 가득 들어왔다. 그런데도 그 느낌은 너무나 강렬하고 황홀했다.

그 순간 칸딘스키는 크게 깨닫는다. "아, 그림이란 게 꼭 알아볼 수 있는 대상물이 있어야 하는 건 아니구나, 오히려 대상물에서 해방된, 저 형과 색의 범벅이 더 큰 감동으로 다가올 수 있구나…. 유레카!"

그날 이후 칸딘스키의 그림은 순수추상이라는 미지의 세계에 대한 탐험일지가 된다. 특이한 점은 그가 화가이기만 한 게 아니라 대단한 이론가이기도 했다는 사실이다. 그는 작품에 매진하는 한편, 10년여의 창작노트를 기반으로 자신의 작품세계를 뒷받침하는 책을 내놓는다.

그 책이 바로, 현대미술로 접어드는 길목에서 만날 수밖에 없는 책, '예술에서의 정신적인 것에 대하여'이다. 1912년에 출판되어 많은 이들에게 감명을 불러일으켰고, 계몽의 원천이 되었으며, 두고두고 논쟁거리가 되었다.

그는 이 책을 통해, 가시적 대상을 닮을 의무를 벗어난 순수한 형과 색만의 그림을 커다란 애정으로 옹호한다. 형과 색은 아무 것도 묘사하지 않고 화폭에서 자유롭게 유희한다. 풍부한 감성의 '내적 필연성'으로 '보이지 않는 것을 가시화'한다. 그 '보이지 않는 것'은 혹은 화가 자신의 내면, 혹은 천지자연을 관장하는 '우주의 법칙'이다.

특히 색에서, 그는 각 색이 지닌 특수한 냄새와 음을 가려내었다. 하나의 자극을 동시에 둘 이상의 감각으로 느끼는 현상. 의학적으론 '착란'이지만 예술에선 종종 창조성의 근원이 된다.

공감각(synaesthesia)의 능력. 이제 그림은 우주의 운동과 리듬이 되고, 음악이 되고, 화가의 영혼이 된다.

물론 오늘날의 미술은 워낙 풍부하고 다양하여 칸딘스키가 옹호하는 추상미술(의 논리)도 이 속에선 한 갈래에 지나지 않고, 아예 추상이니 구상이니 하는 구분 자체도 거의 무의미해졌다.

그러나 추상이 새로운 양식, 방법, 조형언어로 부각되기 시작하던 현대미술 초창기엔 이를 사람들에게 어떻게 설명하고 이해시킬 것인가, 그리고 작가 스스로 어떻게 내적 확신을 가질 것인가는 문제가 첨예했다. 바로 이 문제를 예술가로서의 깊은 통찰로 다룬 '예술에서의 정신적인 것에 대하여'는 그런 점에서 오늘도 여전히 빛을 발한다.

칸딘스키의 저 '유레카'적 기분에 공감하면서 이 빛을 쬔다면, 그는 추상미술, 나아가 현대미술의 미궁(迷宮)을 맘껏 탐할 수 있는 '아리아드네의 실'을 손에 쥐는 셈이다.
/ 입력시간: 2008. 02.23. 17:16